La couleur au cinéma : l’importance de la couleur dans les films cultes

Rouge

Parmi les autres couleurs utilisées au cinéma, les nuances de rouge règnent en maître. La couleur sanglante se détache le plus de l’arrière-plan. Il évoque parfaitement à la fois l’amour et le danger imminent. En raison de son intensité, il est souvent comparé à une « illustration vivante de la caféine ».

The Shining (1980)

Le film d’horreur de Stanley Kubrick ne recule pas devant les rebondissements terrifiants. Le réalisateur a consciemment utilisé le rouge non seulement pour dépeindre l’horreur. Au début du film, les costumes de Wendy Torrance (Shelley Duvall) et de son fils Danny (Danny Lloyd) ne se ressemblent pas par hasard. Le créateur a décidé d’habiller les personnages avec des tenues rouges et bleues vives. Ils sont un contraste frappant avec le costume de Jack Torrence. Le personnage principal porte des nuances beaucoup plus sombres et atténuées des mêmes couleurs. De cette façon, Wedny et Danny apparaissent beaucoup plus gais et amicaux. La couleur rouge ne manque pas non plus dans les intérieurs de l’hôtel Overlook du film. La peinture rouge entoure souvent les personnages. Lorsqu’il y a du sang à l’écran, il s’intègre parfaitement à l’atmosphère des pièces. Ainsi, utilisé de manière appropriée, le rouge préfigure dès le début du film l’atmosphère sombre des événements à venir.

Le Sixième Sens (1999)

M. Night Shyamalan a également utilisé consciemment la couleur rouge dans son thriller. Dans le cas de The Sixth Sense, la couleur la plus intense correspond à de nombreux détails importants de la scénographie. Un exemple est la tente rouge vif de Cole Sear (Haley Joel Osment), âgé de plusieurs années. C’est là que le garçon se sent le plus en sécurité. L’intérieur rouge a permis au réalisateur de créer un contraste approprié entre les deux mondes présentés dans le film – les vivants et les morts. Il a appliqué le même traitement à l’intérieur de l’église. Les décorations rouges ne manquent pas non plus. Ce n’est donc pas une coïncidence si Cole se cache des fantômes dans ces deux endroits. Ainsi, le rouge symbolise de manière unique à la fois le danger et l’abri du mal. Les costumes portent également un message similaire. Un bon exemple est la garde-robe de la femme de Malcolm (Bruce Willis), Anna (Olivia Williams). Au cours du film, la femme porte de nombreuses nuances de rouge. Moins ils sont intenses, plus elle semble s’éloigner émotionnellement de son mari. Malgré cela, elle donne l’impression d’être extrêmement calme. Le contraire des émotions positives, cependant, ce sont les pilules qu’Anna prend dans une scène. Les antidépresseurs rouges font à nouveau référence au danger potentiel pour la vie qui leur est associé.

American Beauty (1999)

Dans le film à l’eau de rose American Beauty, le rouge est particulièrement lié à l’intrigue de transformation de Lester Burnham (Kevin Spacey). Lorsque le personnage principal décide de changer sa vie, il achète la voiture rouge de ses rêves. Dans ce cas, la couleur annonce la répétition. Les portes de la maison et les roses du jardin étaient rouges. Le réalisateur insère consciemment des éléments de décor rouges également dans la plupart des autres scènes. De cette façon, il nous rassure sur le fait que le film ne sera qu’une simple comédie avec des motifs relatifs au nouvel amour de Lester. Par conséquent, nous pensons que son intrigue ne nous surprendra pas par quelque chose d’extraordinaire. Tout change vers la fin, lorsque du sang apparaît sur le mur. Le ton beaucoup plus intense diffère de la couleur à laquelle nous nous attendions jusqu’à présent. De cette façon, le réalisateur surprend à la fois le public et le protagoniste lui-même. C’est alors que le rouge qu’il aime fait voler en éclats son calme pour la première fois. Nous nous rendons compte que le rouge a depuis le début prédit le drame à venir.

Orange

Cette couleur ardente est parfaite pour réchauffer les scènes de films dramatiques. Il s’attache particulièrement à transmettre des émotions positives au public. L’orange est également l’une des couleurs les plus authentiques. Il apparaît le plus souvent au lever ou au coucher du soleil. L’atmosphère naturelle qui règne à l’écran à ce moment-là permet aux spectateurs de ressentir des émotions particulièrement intenses.

Le Parrain (1972)

Le film de Francis Ford Coppola touche parfaitement les émotions du public dès les premières minutes. C’est dans la scène d’ouverture que la couleur orange apparaît. La lumière ambrée contrastant avec l’atmosphère lugubre du bureau de Don (Marlon Brando) permet au public de se perdre dans l’atmosphère inhabituelle de la scène. Bien que l’étude elle-même puisse évoquer l’anxiété, l’orange nous fait nous sentir quelque peu en sécurité à l’intérieur. La lumière tombe directement sur le visage du personnage qui y est assis. De cette façon, nous savons qu’il a autant de pouvoir authentique que la couleur utilisée. Le film de Coppola présente également des oranges caractéristiques. La teinte particulièrement intense du fruit, presque rouge sang, évoque le sang. C’est pourquoi nous les voyons lorsque la mort d’un personnage est imminente. Les oranges étant toujours associées à des émotions positives, il n’est pas si facile de deviner qu’elles annoncent une tragédie.

Thelma et Louise (1991)

Une amitié sincère entre deux femmes n’évoque certainement que des associations positives. Ridley Scott a pris soin de dépeindre de manière authentique la relation entre les personnages principaux, notamment par l’utilisation de la couleur orange. L’aventure de Thelma (Geena Davis) et Louise (Susan Sarandon) entraîne de nombreuses conséquences désagréables. Néanmoins, le réalisateur parvient à détourner notre attention du comportement inapproprié des femmes.
Car leurs cheveux roux et leurs fards orange restent au premier plan. Ils s’harmonisent parfaitement avec les couleurs chaudes du climat exotique. Grâce à la présence de l’orange, nous nous concentrons principalement sur les aspects heureux de la relation entre les femmes. C’est pourquoi les héroïnes suscitent notre sympathie.

Jaune

La couleur jaune dégage une énergie particulièrement forte. Il est associé à la fois au soleil et à un avertissement de danger. Les cinéastes utilisent souvent sa variété pour dépeindre la transformation émotionnelle des personnages.

Rosemary’s Baby (1968)

Le film d’horreur de Roman Polanski est un exemple exemplaire de l’utilisation de la couleur au cinéma. Bien que d’autres couleurs soient également présentes, la couleur jaune a une influence majeure sur le déroulement de l’histoire. Car c’est un reflet littéral du personnage de la titulaire, Rosemary (Mia Farrow). Elle apparaît notamment au début du film. Dans les premières scènes de la production, l’aura positive et innocente de la femme est perceptible même à travers sa garde-robe. La chemise qu’elle emporte pour l’hôpital est précisément jaune pastel. À la maison, on la voit aussi dans des tenues jaunes. Les costumes sont initialement assortis même à des éléments particuliers du décor. Dans la chambre à coucher de la femme et de son mari Guy (John Cassavetes), on voit du papier peint imprimé en jaune et un drap jaune. Tous ces éléments font consciemment allusion au bonheur évident qui règne dans la vie des jeunes mariés. Au fur et à mesure que le film avance, le rouge apparaît de plus en plus dans le film et le jaune recule à l’arrière-plan. C’est sa disparition qui annonce les événements dramatiques à venir plus tard dans le film.

Taxi Driver (1976)

Dans la production de Martin Scorsese, la couleur jaune ne fait pas seulement référence au taxi de Travis (Robert De Niro). Le réalisateur a habilement utilisé la lumière jaune pour refléter les émotions du personnage principal. Lorsqu’il marche dans les rues de New York la nuit, la couleur chaude des phares se reflète souvent sur ses joues. De cette façon, le réalisateur a reflété la crise émotionnelle du personnage. Au début du film, Travis a clairement des problèmes de confiance et préfère rester seul. Ce n’est pas non plus un hasard si Marin Scorsese a choisi un taxi pour son film. Ses couleurs jaune et noir évoquent les couleurs du poison. Travis Bickle, consumé par l’agitation constante de la ville, est lui-même entouré d’une sorte de réalité toxique. Le taxi qui roule à toute vitesse représente les illusions de la vie, qui suivent constamment le personnage principal tout au long du film.

Billy Elliot (2000)

L’histoire d’un garçon ambitieux qui va au bout de ses rêves s’inscrit parfaitement dans la logique de la couleur jaune. La couleur reflète parfaitement les désirs du personnage principal. Lorsque, au début du film, le garçon exécute sa propre chorégraphie avant le petit-déjeuner, il est entouré des rayons matinaux du soleil. Ceux-ci ne brillent pas accidentellement que sur lui. Elles offrent un contraste saisissant entre lui et la réalité qui l’entoure. Billy vit avec sa famille dans une maison dominée par la couleur bleue. Cette couleur mélancolique est associée à la fois à la tristesse et au manque de volonté de vivre. C’est pourquoi le jaune apparaît autour du garçon quand il est le plus heureux. Bien que le jaune soit beaucoup trop peu présent dans Billy Elliot, il est extrêmement important pour l’intrigue. Stephen Daldry l’a délibérément utilisé uniquement au tout début et à la toute fin du film. Dans la scène finale, l’écran est à nouveau rempli de lumière jaune, qui se concentre à nouveau sur le garçon. Ce jaune illustre de manière extrêmement efficace la lutte victorieuse de Billy contre tous les obstacles qui l’accompagnent dans son histoire.

Vert

Nous associons le plus souvent le vert au plus beau côté de la nature. Les créateurs – comme ce fut le cas avec la couleur orange – utilisent le vert pour évoquer des associations positives à l’écran. En outre, le vert est idéal pour faire preuve d’ironie. En le plaçant dans des scènes sombres ou dramatiques, les cinéastes peuvent délibérément en manipuler le sens.

Le Magicien d’Oz (1939)

La comédie musicale culte basée sur le roman de L. Frank Baum est une autre preuve de l’utilisation habile de la couleur dans le film. La couleur verte est mise en avant lorsque le personnage de la méchante sorcière de l’Ouest apparaît à l’écran. Son visage vert, plutôt stéréotypé, reflète bien son caractère méprisable. La couleur verte remplit le cardan dans d’autres scènes également. Lorsque Dorothy (Judy Garland) et ses amis entrent dans la ville émeraude, des murs d’un vert intense apparaissent à nos yeux. Tant l’auteur du roman original que les créateurs de l’adaptation cinématographique ont délibérément choisi la couleur verte pour eux. Il est associé au côté agréable de la nature. Grâce à cela, il ne reflète pas complètement l’atmosphère sombre de la ville. Par conséquent, de nombreuses atrocités commises par la sorcière peuvent être traitées avec distance.

Amelia (2001)

Les éléments verts du décor sont définitivement un leitmotiv dans la production de Jean-Pierre Jeunet. Ils se rapportent directement aux émotions ressenties par le personnage principal. Lorsqu’Amelia (Audrey Tautou) subit une transformation et décide de rendre les gens heureux, seules des pensées positives apparaissent dans sa tête. C’est le vert, souvent associé au jaune, qui fait référence à son bonheur et à son espoir d’un avenir meilleur. À Amelia, le vert fait également référence à la nature. Les couleurs authentiques qui enveloppent l’écran permettent d’éprouver un sentiment de sympathie encore plus intense pour le personnage principal. La garde-robe d’Amelia ne recule pas devant les vêtements verts. Ce n’est pas sans raison que le créateur a une fois de plus utilisé le potentiel de la couleur. Grâce à la couleur verte, Amelia se sent vraiment à l’aise parmi les nouveaux amis qu’elle rencontre sur son chemin.

Bleu

Contrairement aux autres couleurs, le bleu évoque principalement des sentiments négatifs. Le ton froid reflète souvent les émotions des personnages plongés dans la réalité grise. Plus le ton du bleu est sombre ou froid, plus l’énergie mélancolique est produite à l’écran. Les nuances de bleu plus intenses peuvent être associées à l’intellect ou à la loyauté. Par conséquent, il s’agit sans aucun doute d’une couleur plus difficile. Les créateurs l’utilisent généralement pour des événements plus émotionnels qui obligent le spectateur à analyser un peu plus profondément le comportement des personnages.

La condamnation de Shawshank (1994)

Blue accompagne le personnage principal dès le début du film. Lorsque Andy Dufresne (Tim Robbins) est envoyé en prison, l’écran est rempli des costumes bleu pâle des condamnés. Les costumes ont été délibérément conservés dans les couleurs typiques des prisons, créant ainsi une scénographie authentique. Frank Darabont a réussi à maintenir le film dans une palette de couleurs qui reflète l’histoire qu’il raconte. Elle est directement liée à l’atmosphère mélancolique et désespérée qui entoure Andy. Bien qu’il ait parfois l’espoir que sa situation s’améliore, l’atmosphère du lieu ne partage pas son enthousiasme. Nous nous retrouvons avec lui au milieu d’une réalité incolore. C’est pourquoi le réalisateur ne sort du schéma gris-bleu qu’à la fin du film. C’est alors que nous voyons la mer d’un bleu intense, annonçant le début d’une nouvelle vie pour les protagonistes Andy et Ellis (Morgan Freeman).

Requiem pour un rêve (2000)

Ce n’est pas pour rien que le drame culte de Darren Aronofsky est associé à une couleur froide. Le cinéaste nous emmène dans un voyage émouvant à travers la vie de quatre personnages. Chacun d’entre eux lutte contre une toxicomanie extrêmement dangereuse. Indépendamment des changements de saison, la couleur bleue est constamment présente dans la production. Aronofsky nous fait comprendre que la dépendance peut changer une personne de manière irréversible. C’est pourquoi les protagonistes, tout au long du film, ne parviennent pas à s’échapper de leur environnement de cadres sombres. Il n’est même pas utile que la réalité extérieure devienne à un moment donné beaucoup plus gaie et manifeste des nuances de bleu plus intenses. Cela se reflète particulièrement dans la scène sur la jetée, où le cadre est rempli de la mer bleue. Malgré la perspective réconfortante de la vie, les personnages restent dans la prison de leur propre esprit. Plus ils se rapprochent de la mort, plus des nuances de bleu foncé apparaissent dans les scènes.

Violet

Bien qu’il évoque souvent des associations agréables, le violet a les implications les plus dramatiques. Associée à l’opulence, la couleur à l’écran procure incontestablement des émotions fortes. Il annonce le plus souvent la mort ou la métamorphose irréversible des personnages d’un film.

Apocalypse Now (1979)

Le drame de guerre de Francis Ford Coppola présente un exemple exemplaire de prédiction de la mort. Alors que l’hélicoptère survole la jungle, nous voyons de nombreux nuages de fumée dans le cadre. Au départ, l’orange et le vert dominent la scène. Compte tenu de leur importance, rien n’indique que le drame est sur le point de se produire. Ce n’est que lorsqu’ils sont inopinément rejoints à l’écran par une fumée violette que le véritable drame commence à se jouer. Immédiatement après son apparition, deux coups de feu sont tirés dans la jungle, dont les protagonistes meurent en même temps.

Loin du paradis (2002)

Dans le film de Todd Haynes, Cathy Whitaker (Julianne Moore) doit dire adieu pour toujours au mari qu’elle aime. Lors d’un séjour à l’hôtel, elle découvre accidentellement qu’il est tombé amoureux d’un autre homme. C’est pourquoi Cathy porte une écharpe violette dans la dernière scène du film. Il s’agit d’une référence à ses émotions. Il semble que la femme ait accepté son passé une fois pour toutes et qu’elle soit prête à commencer une toute nouvelle vie. La dernière fois que nous la voyons à l’écran, elle dit au revoir à son ami Raymond (Dennis Haysbert). Il l’a soutenue après la séparation, ce qui indique également la fin d’une phase difficile.